El sonido de ‘A Silent Voice’

Corría un 19 de marzo del año 65 cuando un joven inglés se preparaba para tomar un tren. Iba camino a Southhampton, con sólo hora y media de trayecto estimado desde Londres. Con sus veinte añitos—recién cumplidos—se sentía perdido. Incomprendido. No encontraba su lugar en la sociedad. Y tras inspirarse en una escena clasista que había observado por las céntricas calles del barrio Belgravia, decidió escribir. Escribir y componer.

Quién diría que ese joven sería uno los principales integrantes de la banda más sonada e influyente de los 70: The Who.

Y es que Pete Townshed escribió My Generation como uno de sus más logrados comentarios sociales. Un iracundo ‘por qué’ a aquella obsoleta sociedad de carcas londinenses de los sesenta. Siguiendo el movimiento ‘Moth'(subcultura en la que participaban jóvenes británicos rebeldes con mucha droga y tiempo libre), comenzó creando un blues apagado y algo lentorro que—gracias a las pertinentes modificaciones— terminó con lo que es hoy en día; una de las canciones más famosas del grupo.

Licenciar una canción occidental no es una tarea fácil para una productora nipona. Independientemente de lo que cueste, hay que tener en consideración los derechos de publicación que, según los problemas de la editora para conseguir derechos, podrían ocasionar futuros cambios (al menos para versiones occidentales).

«Hay tres tipos distintos de derechos de publicación que deben obtenerse: derechos de sincronización, una licencia de uso maestro y los derechos mecánicos. Los de sincronización cubren la habilidad de combinar una canción con ciertas imágenes. El derecho de uso maestro es requerido para el uso de grabación de la misma canción (siendo generalmente el dueño de la grabación la misma discográfica que publica la canción). Finalmente, los mecánicos, que te permiten físicamente reproducir lo grabado (y que también vienen de la propia discográfica). Los dos primeros son de usual adquisición al comienzo de la producción. Pero los mecánicos se vuelven bastante caros para grandes hits, sobre todo fuera de Japón. Por lo tanto, son generalmente obtenidos por Japón o Asia; ocasionando que los editores fuera de esas zonas tengan que defenderse por si mismos».

Answerman en ANN

Aún así, esta es la primera canción que, tras dos minutos de comenzar el filme, suena de fondo. La acompañan una serie de escenas donde aparecen tres críos haciendo el cabra y buscando diversión. La canción se va apagando. Y el escenario cambia a un colegio.

Finalmente, somos introducidos sobre lo que será el motif de la película. Una chica entra a la clase. La chica es sorda. No puede hablar bien.

Parafraseando a la canción, “la gente trata de acabar con ella sólo por estar a su alrededor”. El grupito de críos encuentra su diversión. El acoso comienza.

Llegados a cierto punto, la burbuja de la indiferencia explota. La silenciosa niña, Shouko, se traslada y todas las culpas le caen sólo a un chaval del grupo, el que hace el bullying más exagerado. Shouya. Este pasa a ser ahora el marginado, recibiendo las mismas penurias que impulsó en un primer momento.

De repente, ¡time-skip! Shouya ha crecido y quiere enmendar sus pecados. Y suicidarse.

¿Qué sacamos en claro de todo esto? Que Shouya y Shouko son semejantes. Ambos atacados por sus defectos y sus fallas. Ambos incomprendidos que no se comprenden. Uno deja de escuchar voluntariamente y la otra no puede escuchar. Y como tal, My Generation resuena especialmente con ellos.

Por su parte, el resto de la cata sonora del filme no tiene nada de especial. Está bañada en tonos suaves de piano, una interesante edición electrónica, un manido ambiente natural y el profundo silencio. Porque en esta ocasión Kensuke Ushio aparca la espectacularidad que demostró con Ping Pong: The Animation. Todo ello para acercarse hacia una experiencia más sensorial; más diegética, si cabe. Quizá una elección que no sea plato de todos los paladares; ya que en escena queda muy bien, pero fuera de ella no es algo que vayas a escuchar mucho. Así que no, en esto gana Kimi no Na Wa.

Que entrando a la rayante comparación que todo el mundo hace: son pelis muy diferentes como para comparar. Y esta no es una historia enfocada al romance. Es decir, hay romance en cierta medida. También hay acoso, tensión, amistad, drama, suicidio y depresión. Y predomina el mensaje sobre encontrar la motivación para quererse a uno mismo y seguir adelante. Pero no hay conclusión sentimental a la pareja del shippeo masivo. Así que, verla con esas expectativas puede desembocar en una insatisfacción profunda. Porque la historia no va completamente de eso.

Ante todo, A Silent Voice va sobre las emociones. Duras, realistas y dolorosas.

Aunque para doloroso el inmenso trabajo llevado a cabo en cuanto al apartado visual y artístico. Es demasiado relevante como para no mencionarlo. Se nota todo el mimo y cuidado que el equipo de Naoko Yamada—una de las mejores directoras de Kyoani—ha depositado con toda su destreza en cada una de las escenas.

En este caso, el puesto de director de animación pertenecía a Futoshi Nishiya (el de Hyouka). Y ha realizado un trabajo espectacular (sobre todo con el diseño de Shouko). Los personajes transmiten un movimiento muy real y la manera de orquestar las escenas de lenguaje de signos, dejando al espectador interpretar lo que se está diciendo, me ha parecido muy acertada. Es que sólo hay que echar un vistazo al trabajo realizado por el departamento de in-betweening para ver lo mucho que se lo han currado. Y lo digo en general, porque todo lo del apartado visual luce precioso y fluye perfecto. Me encantan en particular los fondos, sacados de la ciudad japonesa Ogaki. La manera en la que los han rotulado aporta mucho a la atmósfera del filme.

Pero mirad ese pelo. DIOS. Para cuando el contrato de adopción.

La calidad de esta señora dirigiendo sus movidas ya la habíamos presenciado en Hibike Euphonium o Tamako Love Story, pero lo de esta película bordea lo soberanamente quisquilloso. Yamada hace gala de toques muy inteligentes a lo largo del filme (véase la relación visual del parque Yoro con Shouko y Shouya siendo personas quemadas por defectos), cortando y dejando a media tinta información que el espectador silenciosamente debe deducir.  Y con esto crea auténticos dramas que te rajan por dentro. Puñalada tras puñalada. Utiliza la duración del metraje en su favor, reordenando pedacito a pedacito del manga y transmitiendo los sentimientos de forma muy precisa.

«Si no lo hubiésemos reordenado no creo que hubiese sido capaz de presentar la cantidad de energía y encanto que tuvo el manga original. Sería demasiado. Pensé sobre cómo capturar su alma y convertirla en material audiovisual. Considerando el amor y respeto que siento hacia el manga…si no hubiese deconstruido el material primero para rehacerlo en una única película, no podría decir honestamente y con orgullo que lo había adaptado al anime. Mi determinación hacia el trabajo y su autora era tan fuerte que el manga podría también haber sido esa hija a la que le pediría la mano en matrimonio. Afronté la producción cada día con ese nivel de determinación».

Naoko Yamada en una entrevista en SakugaBlog

Por contra, el manga tiene un enfoque más intensito y melodramático. Y no será esa la única diferencia, porque la película no es una adaptación fiel. La mayor parte del backstory de los personajes secundarios ha sido eliminado, de modo que se priorice lo importante. En consecuencia, estos quedan relegados a ser meros cascarones vacíos sin mucho giro de tuerca. Con lo que se nota que queda historia por contar. La adaptación, además de poco fiel, tiene un final diferente. Lo cual a mí me parece perfecto, porque el de esta película me resulta mucho más cohesivo y acertado que el que de la obra original.

Tranquilos, Kawaii sigue siendo igual de repelente.

No creo que estemos ante una película para todo el mundo. Y mis razones son la manera de dirigir y las decisiones que se han tenido que tomar; ya que dar por sentado que el espectador consigue captar las motivaciones de los personajes, no se fija en la vacuidad de los secundarios y no le molesta la reordenación o cambio de situaciones es hacer frente a varios riesgos. Así que quizá los más fans del manga no encuentren exactamente la adaptación que esperaban y los que quieran una película bonita y ya, tampoco.

Porque no provee de una experiencia agradable en todo momento. No llega al nivel de 13 Razones Porque, pero hay ciertos momentos muy incómodos y crudos que podrían llegar a rozar lo exagerado o depresivo. Esto no es necesariamente un punto negativo bajo mi juicio; le da realismo y propósito al motivo de ser de los personajes. Y también es en pro del espectador, porque lo coge desprevenido y lo saca de su zona de confort. Sin embargo, no me sorprendió que no fuese un gran taquillazo internacional tras verla.

«A Silent Voice fue un trabajo que me hizo tomar varios caminos a la hora de representar un elemento indispensable: el sonido. Al entrelazar sus variadas características con animación y sonido me di cuenta de que se me presentaban nuevos desafíos que me empujaban adelante. Pensé que afrontarlos sería genial».

Naoko Yamada en una entrevista en SakugaBlog

Para mí A Silent Voice ha hablado alto y claro.

Una experiencia bonita. Y a la vez triste. Y sin duda, merece la pena.